Les Nabis (los nabis) fueron un grupo de jóvenes artistas franceses activos en París entre 1888 y 1900, que tuvieron un papel importante en el paso del impresionismo y del arte académico al simbolismo, a la abstracción y a los primeros movimientos modernos. Sus miembros principales fueron Paul Sérusier, Maurice Denis, Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Paul Ranson, Ker-Xavier Roussel y Félix Vallotton, casi todos antiguos alumnos de la Académie Julian. Compartían la admiración por Paul Gauguin y por Paul Cézanne y la idea de que un cuadro no es una copia de la naturaleza, sino una síntesis de metáforas y símbolos creada por el artista.
Qué significa «nabi»
El nombre viene de una palabra hebrea emparentada con nebiim, «profetas». Lo propuso en 1888 el lingüista Auguste Cazalis, que también formó parte del grupo, comparando a estos pintores, que querían renovar la pintura como «profetas del arte moderno», con los antiguos profetas que habían renovado Israel. El tono era medio en broma: los nabis funcionaban como una sociedad semisecreta, con apodos, un vocabulario propio (llamaban ergasterium al taller) y una fórmula para cerrar las cartas, «E.T.P.M.V. et M.P.» (En ta paume, mon verbe et ma pensée, «En tu palma, mi palabra y mi pensamiento»). Hasta 1897 ni siquiera hicieron público el nombre del grupo.
El origen: El Talismán de Sérusier (1888)
Todo empezó con un cuadro diminuto. En octubre de 1888 Paul Sérusier viajó a Pont-Aven, en Bretaña, y allí, siguiendo las indicaciones de Gauguin, pintó un pequeño paisaje del bosque del Amor (Le Bois d’Amour) hecho de manchas de color puro: un óleo sobre tabla de 27 × 21,5 cm que hoy está en el Museo de Orsay. De vuelta en París, sus compañeros de la Académie Julian lo bautizaron El Talismán, lo consideraron el primer cuadro nabi y lo veneraban en el taller de Ranson casi como una reliquia.
Maurice Denis contó años después la lección de Gauguin a Sérusier: «¿Cómo ve usted esos árboles? Son amarillos: pues bien, ponga amarillo; esa sombra más bien azul, píntela con ultramar puro; ¿esas hojas rojas? Ponga bermellón». Así, decía Denis, Sérusier les reveló como mensaje de Gauguin «el concepto, todavía desconocido para nosotros, de la superficie plana cubierta de colores reunidos en un cierto orden».
El manifiesto de Maurice Denis (1890)
En 1889, el año de la Exposición Universal y de la torre Eiffel, el círculo de Gauguin montó una modesta exposición en el Café des Arts de Volpini, junto al recinto oficial, con el título de «Grupo impresionista y sintetista» y obras, entre otros, de Gauguin y de Émile Bernard. En agosto de 1890 Maurice Denis, que tenía diecinueve años, les dio una filosofía con el artículo «Definición del neotradicionalismo», publicado con el seudónimo de Pierre Louis en la revista Art et Critique. Empezaba con una frase célebre: «Recordad que un cuadro, antes de ser un caballo de batalla, una mujer desnuda o una anécdota cualquiera, es esencialmente una superficie plana cubierta de colores reunidos en un cierto orden».
La idea no era del todo nueva (Hippolyte Taine había escrito algo parecido), pero la fórmula de Denis cautivó a los artistas. No quería decir que la forma importara más que el tema, sino que las líneas y los colores bastan por sí mismos para expresar la emoción. Denis llamó a esta corriente «neotradicionalismo», en oposición al «progresismo» científico de los neoimpresionistas de Georges Seurat.
Los artistas del grupo y sus obras
- Paul Sérusier: el iniciador, con El Talismán (1888); después, escenas místicas de mujeres bretonas en el bosque, como Mujeres en la fuente (1898, Orsay).
- Maurice Denis: el teórico; temas religiosos con figuras vestidas a la moderna, influido por Fra Angelico, como Le Calvaire (1889, Orsay) y la serie La leyenda de san Huberto (1897).
- Pierre Bonnard: «el nabi más japonés»; las cuatro Mujeres en el jardín (1890-1891, Orsay) y carteles y litografías como Les Parisiennes (1893).
- Édouard Vuillard: interiores en los que las figuras casi se disuelven en los estampados, como La costurera (1893) o El vestido estampado (1891, MASP).
- Félix Vallotton: suizo, maestro del grabado en madera en blanco y negro, como la serie Intimités (1898).
- Paul Ranson y Ker-Xavier Roussel: decoraciones, tapices y escenografías; el taller de Ranson en el bulevar de Montparnasse era el «templo» del grupo.
En 1891 Bonnard, Vuillard y Denis compartieron un taller en el número 28 de la calle Pigalle, frecuentado por otros nabis y por gente del teatro y de la literatura. Aristide Maillol también expuso con ellos al final.
Arte japonés, simbolismo y decoración
Las estampas japonesas fueron una influencia decisiva. Siegfried Bing las difundía en su tienda y en su revista Le Japon artistique (1888-1891), y Bonnard las estudió tanto que sus compañeros lo apodaron «le plus japonard». Sus Mujeres en el jardín adaptan el formato estrecho y vertical del kakemono japonés; tienes el contexto en nuestro artículo sobre el ukiyo-e. Del simbolismo tomaron el gusto por Baudelaire, Mallarmé y Poe y el rechazo del naturalismo de Courbet, Manet y Zola.
Uno de sus objetivos era borrar la frontera entre el arte y la vida diaria, y entre la pintura y la decoración. Hicieron biombos, murales, papeles pintados, tapices, vajillas, pantallas de lámpara, decorados y vestuario de teatro y carteles. En 1892 diseñaron escenografías para el teatro; en 1894 expusieron juntos en Toulouse, y en 1895 en la Maison de l’Art Nouveau de Bing, la galería que dio nombre al modernismo, donde presentaron además diseños de vidrieras para Louis Comfort Tiffany que nunca llegaron a fabricarse.
El final del grupo
En 1897 no acudieron al Salon des Indépendants y expusieron en la galería de Ambroise Vollard. Su última exposición conjunta fue en 1900, en la galería Bernheim, con obras de Bonnard, Denis, Ibels, Maillol, Roussel, Sérusier, Vallotton y Vuillard; después, cada uno siguió su camino. Cuando llegaron el fauvismo, el expresionismo y el cubismo, los antiguos nabis pasaron a parecer conservadores, y en sus últimos años abandonaron en gran parte las artes decorativas.
Los nabis y Van Gogh
Van Gogh no conoció a los nabis como grupo, pero compartía su punto de partida: la pintura de Gauguin y de Bernard en Bretaña, hecha de contornos marcados y colores planos, el cloisonismo y el sintetismo que Van Gogh probó en Arlés al copiar las Mujeres bretonas de Bernard. Émile Bernard, contra lo que a veces se dice, nunca fue nabi, aunque estuvo muy cerca de ellos a través de Gauguin y de la exposición Volpini.
Hay una carta que resume la misma lección que recibió Sérusier. En septiembre de 1889, desde Saint-Rémy, Vincent escribió a Theo que Bernard y Gauguin no pedían la forma exacta de un árbol, sino que se dijera si era redondo o cuadrado: «No piden el tono correcto de las montañas, sino que dirán: por Dios, ¿las montañas eran azules? Pues echa azul y no me vengas con que era un azul así o asá. ¿Era azul, no? Bien, píntalas azules y basta». Y añadía que Gauguin era a veces un genio explicándolo y que le conmovía lo mucho que le gustaba decir algo útil a los jóvenes (carta 805). Las notas de la edición relacionan ese pasaje con el consejo de Gauguin a Sérusier que contó Maurice Denis. Para el contexto, lee también la relación de Van Gogh y Gauguin y impresionismo y postimpresionismo.
Dónde ver obras de los nabis
El Museo de Orsay de París tiene el conjunto más importante: El Talismán de Sérusier, las Mujeres en el jardín de Bonnard, Le Calvaire de Denis y Mujeres en la fuente de Sérusier. La obra de Denis se puede ver también en el museo departamental Maurice Denis de Saint-Germain-en-Laye. Fuera de Francia hay nabis en el Metropolitan de Nueva York (Misia al piano, de Vuillard), la National Gallery of Art de Washington (Mujer con vestido de rayas, de Vuillard), el museo de Indianápolis (La costurera) y el MASP de São Paulo (El vestido estampado).
Fuentes: Wikipedia, «Nabis» (en, es); vangoghletters.org, carta 805 (Saint-Rémy, hacia el 20 de septiembre de 1889) y su nota 31, y notas de las cartas 590 y 779 sobre la exposición Volpini.